Мятый холст

Валерий Вальран — не из тех художников, что находят единственную «свою» технику или тему и замыкают творческие поиски исключительно в ее рамках. Это неутомимый исследователь окружающей жизни и своих художественных возможностей, ставящий перед собой задачу, успешно справляющийся с ней и переключающийся на следующую. В творчестве Вальрана мало одиночных работ, а больше серий, позволяющих всесторонне проработать и решить ту или иную технологическую, тематическую или интерпретационную проблему. При этом, как выходец из активно экспериментировавшей с материалами и выразительными средствами среды авангардистов второй волны, Вальран не ограничивается стандартными холстом и маслом. В его арсенале разнообразные графические техники, живопись, коллажи и ассамбляжи, фотография. Тематический круг интересов также весьма широк, что потребовало освоения как предметного, так и абстрактного способов репрезентации.

Начинал Вальран-художник в 1970-х именно с абстракции, вдохновившись работой зарубежных абстрактных экспрессионистов, а особенно — ленинградца Евгения Михнова-Войтенко, знакомство с которым состоялось как раз в те годы. Балансируя на грани подражания и самостоятельного высказывания, Вальран создавал свои первые графические абстрактные работы, а позже, в 1978 году, — серии «Блики» и «Рельефы» на оргалите. Увлечение художника беспредметным искусством имеет волнообразный характер: на длительное время переключаясь на фигуратив, он все же вновь и вновь в разных проявлениях возвращается к абстракции.

В 1982 году появилась работа в уникальной авторской технике «мятого холста». Вальран: «Предварительно холст препарируется (мнется, покрывается складками, морщинами и т. д.), то есть создается своеобразный низкий рельеф, затем наклеивается на планшет, грунтуется и расписывается масляными красками». Квадратная «Центрация» стала началом долгого пути экспериментов с фактурой ткани, которые, не замыкаясь исключительно на технике, от серии к серии наполнялись разным идейным содержанием. Так, в «Русской готике» (2008 г.) художник изнутри пластическими средствами исследовал художественный мир русской иконы XV века. А в серии «Обнаженная. Погружение в телесность» (2009 г.) предметом осмысления стало женское тело и связанные с ним семантические аспекты. Эти полуабстрактные циклы, сохраняющие, тем не менее, связь с фигуративностью, известны зрителю по выставкам и публикациям. 

Что касается проекта, представленного в DiDi Gallery, то здесь собраны более ранние, почти не экспонировавшиеся и исключительно абстрактные произведения, выполненные в технике «мятого холста».

Особого внимания заслуживает первая работа серии — «Центрация». Это нечто сугубо материальное и вместе с тем — абсолютно невесомое. Словно в космическом вакууме висящая посреди поля картины ткань — с одной стороны, динамический выход из двухмерного пространства, из плоскости. Но в то же время это словно законсервированное движение, успокоенное и застывшее в своей замысловатой форме. Эта работа — исследование формы как таковой, освоение выразительных возможностей абстракции.  

Уже здесь художник использует различные виды и фактуры тканей: центральный элемент выполнен, собственно, из холста, а на фон положена сеть. Эксперименты с сетями переросли тоже в своего рода серию, созданную преимущественно в 1995 году. Работы этого цикла составляют существенную часть экспозиции. Сеть позволяет добиться интересных визуальных эффектов: подчеркнутой многослойности, прозрачности, оптического смешения цветов. Сеть одновременно разделяет и объединяет. Художник словно пытается зачерпнуть ею воду или воздух, которые попадаются в ловушку, но тут же сквозь крупные отверстия вытекают обратно в окружающее пространство холста. Что наполняет эти абстракции не только исключительно визуальным, но и символическим смыслом.

В выставочный проект также вошли четыре работы из цикла «Кольцо нибелунгов» (для фестиваля «Вагнер и XX век», Государственная академическая Капелла, 1993 г.), созданные как визуальный ответ музыке четырех эпических опер Вагнера — «Золото Рейна», «Валькирия», «Зигфрид», «Гибель богов». Абстрактная форма выражения в данном случае — наиболее емкий способ визуализировать музыкальное произведение. В отличие от фигуративного воплощения, способного в одной работе зафиксировать, пусть и кульминационный и значимый, но лишь момент действия, абстракция позволяет передать характер нескольких часов музыки в концентрированном виде. Музыкальную тему продолжают несколько картин из девятичастного цикла «Слушая Шостаковича», созданного в 2001 году для Лондонского фестиваля “Thinking on Schostakovich” и никогда более не экспонировавшегося. 

Работая над сериями, посвященными Вагнеру и Шостаковичу, Вальран днями напролет слушал музыку, пытаясь ее прочувствовать и понять. Каждая картина — визуальная интерпретация конкретного музыкального произведения, отражающая индивидуальное «слышание» художника. Именно в «музыкальных» циклах возможности техники «мятого холста» достигают особой выразительности.

Более кропотливо, чем прежде, разрабатывается поверхность холста, рельеф которого прорисовывает композицию и задает ей динамичную структуру. Складка за складкой художник создает фактурный узор полотна, подобно тому, как композитор из звуков сплетает музыкальную ткань своих произведений. Вторя волнам ткани, поверхность накрывают волны цвета, превращая ее в калейдоскоп мельчайших оттенков. Цветовая вибрация, переливы теплых и холодных тонов, ритм складок создают в работах Вальрана иллюзию непрерывного движения и заставляют его музыкальный цикл визуально «звучать».